Posiblemente lo primero que me llamó la atención del nuevo trabajo del neoyorkino es como usando tan poco, logra transmitir tanto. Se trata de un disco bastante minimalista, pero en el que cada uno de sus sintes y percusiones están medidos hasta el infinito para lograr un halo de conexión premeditada entre cada uno de los elementos, que se entrelazan a la perfección formando temas que beben de estilos dispares como el jazz, trip-hop, soul, hip-hop o la electrónica más etérea y espacial. Al mismo tiempo es un LP sólido y compacto, con un protagonismo del bloque por encima de hits que sobresalgan, aunque es cierto que algunas joyas como “Keep me there“, “Problems with the sun” o “Space is only noise if you can see” gozan de una ejecución perfecta y pueden convertirse en favoritas, aunque no deja de ser algo muy subjetivo, ya que el disco está lleno de interesantes recovecos y requiere de algunas escuchas antes de entender su idea esencial.

Resulta raro que tratándose de un plato tan experimental a la par que claro consiga captar, como mínimo, un interés irremediable en el oyente que se sienta seducido por propuestas electrónicas de esta índole. Y es que donde otros artistas del año como Ernest Green de Washed Out, interpretan esa complejidad con capas de espesas reverberaciones y susurros lejanos, Nicolas decide hacer uso de un cruce sensacional entre un sonido puramente orgánico, con pasajes muy naturales que se apoyan también en lo digital y electrónico, aportando a la escucha un contraste de intimista y acogedor frío tecnológico .

Pero no sólo de un buen trabajo instrumental se nutre este Space is only noise, los artistas invitados a las voces regalan pasajes ideales para ver agonizar este mes de Diciembre, acostarse con unos cascos y dejarse llevar por lo fácil pero a la vez trabajado de su idea musical. En un año donde la electrónica y el indie han tenido bastantes representantes, como las oscuras y distorsionadas propuestas sonoras de ese “nuevo” estilo denominado Witch house, la delicada oscuridad de Austra, la perfecta ejecución de SBTRKT, la elegancia de Ladytron, las excentricidades de Björk, la majestuosidad del segundo disco de Florence Welch, la adolescente actitud con tintes post-punk de The Vaccines o la sensibilidad de Agnes Obel, tiene mucho mérito que Nicolas Jaar se haya ganado a pulso el puesto de, posiblemente, mejor disco de este 2011.

Exquisita puesta en escena la que nos ha brindado en este final de año el señor Nicolas Winding, que se ha sabido sacar de la manga una de las películas en mi opinión, más interesantes de este 2011, aunque también hay que comentar que no ha sido un año demasiado acertado para el séptimo arte. Drive es un homenaje a aquellas películas sesenteras de guaperas al volante, relucientes coches de la época y rubias ingenuas enamoradas, todo ello aderezado con unas cucharaditas de cine negro, violencia inesperada y un ritmo y propuesta muy a la europea.

Sensacional el papel de Ryan Gosling, dando vida a un silencioso protagonista que transmite más con su mirada y acciones, sin necesidad de tener a sus espaldas un guión demasiado trabajado, ya que si algo prima en el largo es la capacidad para transmitir de la que gozan los interesantes planos, fotografía, iluminación, banda sonora y trabajo artístico que nos vamos a encontrar. Se trata de un personaje totalmente icónico, desde su ropa, hasta su actitud o algunos elementos de los que hará uso durante la historia (esa inquietante máscara o el martillo) sirven para dar personalidad a Drive, cosa que se agradece al tratarse de un revival-homenaje, donde en ocasiones lo unico que se hace es reciclar elementos sin aportar nada nuevo.

La historia gira en torno a un mecánico que también se gana la vida como especialista de cine al volante, con un pasado incierto pero que deja entrever una vida difícil. Con pocos amigos, entre los que nos encontraremos a su jefe en el taller, interpretado por el gran Bryan Cranston y una rutina inquietante, decide sacarse un dinero extra haciendo de conductor para atracadores y demás calaña. Las instrucciones que da a sus clientes para llevar a cabo los trabajos es otro de los iconos de los que hablábamos, sublime.

En medio de tanto trapicheo y vida perra, se cruza en su camino una adorable vecina, encarnada por Carey Mulligan, con su cara de no haber roto nunca un plato. Es aquí cuando comienza una atracción en la que no hacen falta palabras ni ayudas externas para interpretar desde un primer momento que existe química entre ellos. Se trata de una relación que servirá como nexo de unión y a la vez detonante de una recta final que también se sabe que no acabará bien.

Drive goza de un ritmo lento y pausado, donde recrearse con esa lograda ambientación es posiblemente el mayor regalo, pero esto no daría lugar a un buen producto si aspirase simplemente a eso, y es que aparte de su cuidado apartado técnico, su historia es interesante, impregnada de violencia del Este, desengaños, mafias y personajes todos ellos con la suficiente personalidad y peso en la trama. No se trata ni mucho menos de una película espectacular, pero si te dejas atrapar por la nostalgia que la rodea, te llama la atención aquel tipo de cine protagonizado por gamberros como Steve McQueen y te apetece algo fresco alejado del cine convencional es posible que te lleves una sorpresa.

Para el recuerdo queda directamente el inicio de la misma, fantástica secuencia de conducción nocturna por la gran ciudad a ritmo de Nightcall de Kavinsky. Totalmente memorable y de lo mejor de este 2011.

Xenoblade no viene sólo a llenar ese vacío, sino que además se coloca directamente entre los mejores juegos del catálogo de Wii. Monolith Soft tienen tras sus espaldas algunas joyas que seguro que ya conocéis la mayoría, y una de las cabezas visibles del proyecto, Tetsuya Takahashi, es una leyenda viva que siempre ha estado ligado a proyectos de gran calibre como pueden ser Final Fantasy IV, V, VI y VII o Chrono Trigger, entre muchos otros. Por lo tanto, quienes mejor que una desarrolladora y personal experimentado en el género para saber cuales pueden ser las dolencias del mismo. Hoy en día se agradece cualquier intención de ir más allá y aportar algún nuevo matiz, no es fácil hacer cosas frescas, y menos en un tipo de juego que ya parece haberlo vivido todo. Quizás no venga a revolucionar las bases del JRPG, pero si ofrece un híbrido que sabrá enganchar durante un buen puñado de horas.

En primer lugar, a raíz de lo que nos vamos a encontrar en el argumento, así como en las relaciones y personalidades de los protagonistas, se puede llegar a la conclusión de que Xenoblade toma prestadas conductas occidentales. No quiere decir esto que nos vayamos a encontrar a los típicos machitos de turno, con voz ronca y hormonados hasta las trancas, mas bien se ha optado por quitar unas cuantas cucharadas de dramatismo y ñoñez de las que venían pecando algunos JRPG´s. Nos toparemos por tanto con personajes que aunque tampoco es que tengan un transfondo demasiado maduro, no pecan de niñatos peliteñidos amargados por un oscuro pasado. El argumento tiene sus altibajos, pero personalmente no he encontrado los típicos momentos emocionales exagerados en la historia que ya venían cansando lo suyo. Se produce un impulso bastante interesante de la historia cuando salimos de las Minas de Éter, en cuyo exterior la historia toma un giro interesante que abre nuevas posibilidades y teorías, por lo que recomiendo a todos los que se hayan aburrido en la fase inicial del juego (cosa que dudo), que por lo menos lleguen a este punto.

Uno de los aspectos interesantes del juego es sin duda su sistema de combate, muy similar a lo que nos podemos encontrar en cualquier MMORPG, en el que entraremos en combate cuando nosotros deseemos o cuando nos acerquemos demasiado a un enemigo agresivo. Pasamos automáticamente al sistema de lucha en donde a través de un menú inferior podremos ir seleccionando las artes a realizar. Algunas de ellas nos exigen golpear desde una posición determinada o están centradas en realizarse bajo un enemigo en un determinado estado. Se trata de combates muy dinámicos y que no llegan a aburrir. En la parte superior nos encontramos con una barra que va aumentando dependiendo de nuestras acciones en combate y si somos habilidosos con determinadas secuencias que requieren pulsar un botón (camaradería). Una vez llena podemos lanzar un ataque en cadena bastante eficaz. Otro punto interesante a tratar en los combates es la predicción de determinados movimientos enemigos gracias a las propiedades de nuestra espada, la monado. Dicha arma poseé la habilidad de desvelarnos el futuro, mostrándonos en medio del combate algunos ataques especiales que lanzarán los enemigos y sus repercusiones sobre el personaje, a lo que podremos responder anticipándonos como creamos oportuno. Se trata de una habilidad innovadora y que aunque toma un segundo plano, está implementada de manera bastante inteligente, aprovechando motivos argumentales y que en realidad puede llegar a ser vital para salir airosos de determinadas situaciones.

Combates entretenidos aparte, Xenosaga Chronicles está ambientado con unos paisajes realmente exquisitos. No tanto en el apartado gráfico, pero si artísticamente muy logrados, de una extensión que nada tiene que envidiar a mastodontes como Fallout u Oblivion, con una gran cantidad de zonas secretas y objetos a coleccionar diseminados por sus rincones. Por lo tanto, la exploración es uno de los puntos fuertes del título de Monolith, ya que pateando áreas conseguiremos objetos y gemas que son de gran ayuda para mejorar a nuestros personajes. Otra de las motivaciones que nos llevarán a recorrer estos parajes es la cantidad enorme de misiones secundarias con las que contaremos, un total de nada mas y nada menos que 477, de distintas naturalezas y que siguen el estilo de nuevo de lo visto en algunos MMORPG, donde se nos anima a derrotar a determinados enemigos especiales entre otras tareas. Todos los paisajes están ubicados sobre el cuerpo de dos colosos enfrentados años atrás y que actualmente llevan siglos dormidos. Se trata de Bionis y Mekonis, algo así como lo humano contra las máquinas, uno de los puntos argumentales sobre el que gira el argumento.

Mundos con vida propia, donde en lugar de optar por diferentes aldeas y pueblos diseminados por el mapa, han elegido colocar pocas ciudades pero realmente amplias. Las colonias son urbes llenas de vida donde los habitantes llevan a cabo sus tareas diarias y tienen entre sí una gran cantidad de relaciones sociales. Para conocer y tratar de mejorar esas relaciones contaremos con un afinigrama, a través del cual podremos ir revisando las afinidades de los ciudadanos, para así poder mejorarlas y obtener con ello jugosos premios. Por otra parte serán un oasis en el que podamos adquirir nuevo material, hacer trueques, forjar gemas que podremos enlazar a nuestro equipamiento, vender y realizar todo tipo de acciones propias de cualquier JRPG.

Dejarse llevar por el cuerpo de Bionis escuchando las composiciones de Yoko Shimomura y Tsutomu Narita es una auténtica delicia. Se trata de una banda sonora sobresaliente, gracias a la cual el juego se vuelve todavía más épico, de lo mejorcito que he escuchado esta generación a nivel global, sirviendo de acompañante ideal a un argumento que repito, no es espectacular pero está a un buen nivel y nada tiene que envidiar al de otras obras ya consagradas. Nada que objetar en este aspecto, al igual que en el apartado de voces, que aunque no han sido dobladas al castellano (hubiese sido ya espectacular) están a un buen nivel.

Tampoco es que todo sea perfecto en la obra de Monolith, quizás como puntos negativos nos encontremos con una curva de dificultad un tanto plana, donde las dificultades no son excesivas a excepción de determinados enemigos con peso en la historia. Esta falta relativa de dificultad se ve compensada con un nivel de personalización en los protagonistas espectacular, os aseguro que os pasaréis horas y horas decidiendo la equipación y gemas que aprovecharán mejor sus características. Ya por pedir, también hubiese estado bien un mayor nivel de interacción con objetos de las ciudades o el poder acceder a viviendas, pero no van por ahí los tiros, no se puede achacar como un fallo en sí, ya que Xenoblade no está enfocado en ese aspecto.

Otro punto negro que esta vez no tiene que ver con la compañía es la pobre distribución que se ha realizado del juego, realmente penoso. Es una auténtica odisea hacerse con una copia a dia de hoy, espero que sea una situación pasajera y dentro de poco lleguen nuevas unidades, porque de no ser así no me cabe duda de que estaremos ante una de esas joyas que con el tiempo se van a revalorizar muchísimo, no sólo por su calidad sino por su escasez. Me parece lamentable la política de Nintendo con este tipo de producciones, si destinasen la mitad de dinero que invierten en chorrijuegos para la familia en títulos para el público clásico, otro gallo les cantaría. Luego queda muy bien quejarse de que este tipo de lanzamientos no venden en Wii, ¿pero cómo cojones van a vender?. Buena publicidad y una distribución como dios manda es lo que merecía, pero bueno, allá ellos con su política. Estamos ante uno de los mejores JRPG´s que se han parido desde la eclosión del género en los 32 bits y así nos va. Que no os quepa duda de que si hubiese aparecido en esa época, en una tal PlayStation, estaríamos hablando 15 años más tarde de uno de los mejores juegos de la historia, pero claro, criticarlo ahora por sus buenas notas sin nisiquiera haberlo probado, siendo de Wii y con unos gráficos desfasados, queda muy cool.

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Por fin ha aterrizado en los cines españoles Super 8, el hypeado metraje del que está llamado a ser uno de los directores más destacados dentro de su género. Esta vez el señor J.J. Abrahams ha acertado, no se ha ido por las ramas con sus particulares idas de olla, quizás esto se deba a la mano en la producción de Spielberg, veterano en esto de las aventuras de fantasía para toda la familia. Super 8 deja buen sabor de boca y consigue hacer olvidar la decepcionante Monstruoso, primer ejercicio del director que se quedó en un bonito ejemplo de como el marketing viral puede hacer milagros. Pero dejemos a un lado baches e influencias y hablemos de lo que Super 8 puede aportar al público.

Los primeros videos que aparecieron en la red sobre la película eran 100% Abrahams. De nuevo la incertidumbre de que algo iba a cobrar protagonismo en una historia que nos lo ocultaría hasta el final. El señor J.J. es un maestro en esto, y por fin lo ha sabido explotar con acierto en un trabajo que aunque no es perfecto del todo, está desde mi punto de vista por encima de las expectativas que había generado. Super 8 es entretenida, muy entretenida, constantemente están sucediendo cosas llamativas que hacen que el interés del espectador no decaiga. Una montaña rusa que quizás en sus últimos 15 minutos peca de ir demasiado rápida.

Desde un comienzo tenemos una entrañable relación entre unos chicos que aportan a la cinta ese ambiente familiar que destilaban películas de aventuras ochenteras como los Goonies, también producida por Spielberg. No nos engañemos, Super 8 no es que sea demasiado original en cuanto a concepto, hay que saber apreciarla mas bien como un homenaje a aquel tipo de pelis que durante aquella década supieron dar un nuevo giro de tuerca al género de las aventuras. Aventuras que unían a niños con otros seres en un vínvulo especial, con E.T. o la posterior y más cercana El Gigante de Hierro como claros ejemplos, aunque esta vez la mezcla se aleja un poco de sentimentalismos y relaciones demasiado especiales entre ellos y se centra más en la historia que rodea al grupo en sí y a las relaciones que van surgiendo entre los chavales.

Resulta todo un acierto la decisión de ambientar la película en los años ochenta, ya que aporta ese toque mágico de las producciones que toma como influencias y al mismo tiempo nos aleja de los convencionales estrenos que tenemos hoy en día en pantalla, cuya finalidad parece haber caído en sorprender con el más moderno 3D, hacer gala de efectos especiales espectaculares y dejar a un lado una historia elaborada que llame la atención. No quiero decir que Super 8 sea espectacular en su argumento, simplemente es buena en lo que ofrece: diversión y entretenimiento sin calentarse demasiado el coco. No peca de pretenciosa y da la sensación de que esta vez J.J. Abrahams si tenía claro lo que quería transmitir.

Abrahams, amante de los bichitos y demás parafernalia, ha creado esta vez una criatura que simplemente sirve como nexo de unión para todos los personajes de la aventura, no se convierte en el protagonista estelar, sus apariciones están magistralmente disimuladas con un trabajo exquisito que al mismo tiempo acompaña a todo el metraje, con algunos planos y escenas realmente buenos que logran diferenciar a Super 8 de otras películas con objetivos similares. Quizás el bicho no sea tan entrañable como E.T., pero tampoco creo que ese fuera el objetivo del director, por eso en la recta final de la película es donde he notado un final un poco precipitado, que aunque no deja de ser el adecuado, si que tiene un salto un tanto brusco en relación con el vínculo que los chavales y el resto de personajes puedan tener con la criatura.

Lo dicho, Super 8 no es perfecta ni creo que pretenda serlo, es simplemente una película fácil, muy divertida, con algunos momentos memorables, unos personajes entrañables y un gustillo ochentero que le hace ganar muchos enteros. Posiblemente sea lo mejor de este verano y ahora mismo la propuesta más atractiva que se puede encontrar en los cines. Esperemos que no sea el último guiño de J.J. Abrahams y en un futuro nos siga regalando películas que nos hagan recordar clásicos atemporales como si de un viaje a la infancia se tratase.

Lo cierto es que no soy muy amigo de jugar en el iTouch. Salvo obligatorias excepciones como el Angry Birds o el Plantas contra Zombies, son pocos los juegos que me han enganchado en este dispositivo. Con esto de las vacaciones, rebuscando un poco y probando demos me he topado con algunas cosillas interesantes de las que iré hablando poco a poco, pero de momento voy a destacar un título que ha sido toda una sorpresa: Tiny Tower

De la mano de Ninblebit y de manera totalmente gratuita tenéis disponible para iPad, iPhone e iTouch esta pequeña joya que deberíais probar si os gustan los juegos de construcción/gestión. El objetivo es bastante simple pero adictivo: Construir un edificio añadiendo cada vez más plantas en las que debemos montar negocios de todo tipo para mantener la economía del mismo. A simple vista puede parecer demasiado simplón comparado con otros juegos de similares características, pero lo cierto es que Tiny Tower esconde tras de sí un sistema que engancha y que le viene como anillo al dedo a las plataformas que lo acojen. Tomando la fórmula de algunos juegos de gestión de Facebook como pueden ser Cityville o Farmville, deberemos administrar nuestros recursos mientras esperamos a que las acciones se lleven a cabo después de un tiempo marcado.

Tras un pequeño tutorial que nos pondrá al día sobre la mecánica del juego, comenzaremos a administrar nuestro querido edificio. Nuestros recursos serán monedas, billetes y como no, capital humano. Construir cada planta cuesta dinero, y los billetes los usaremos para acelerar acciones por las que no queramos esperar, entre otras cosas. A medida que se va desarrollando la acción iremos recibiendo visitantes que con un número en la cabeza nos indicarán a que planta quieren acceder, también será nuestra labor usar el ascensor para transportarlos. Debemos construir plantas residenciales para que los habitantes puedan quedarse a vivir y posteriormente darles trabajo en las demás plantas teniendo en cuenta sus puntos fuertes en cada sector. Deberemos mantener el stock al día, ir actualizando productos y velar por la felicidad de los visitantes, vamos, todo una especie de Theme Park en vertical.

Mientras no juguemos, se simulará la vida de nuestro eficio y cuando volvamos a la partida recogeremos las ganancias. Tendremos acceso a un menú desde el cual podemos consultar estadísticas, ojear un facebook ficticio donde los habitantes exponen sus opiniones, cambiar billetes por monedas o realizar micropagos para obtener dinero extra. Quizás uno de los pocos puntos negativos de Tiny Tower es que no está traducido al castellano, aunque no se trata de un juego difícil de seguir y tras realizar el tutorial y jugar por nuestra cuenta unos minutillos nos iremos adaptando cada vez mas a la mecánica.

Pero nada de lo que he explicado arriba sería lo mismo si Tiny Tower no gozase de un apartado gráfico que despide amor por cada uno de sus píxeles. Una estética 8 bits que lo convierte en una delicia visual para los amantes de lo retro, y que acerca más la propuesta a juegos de gestión de épocas pasadas, mezclándolo con elementos propios de juegos sociales actuales. En definitiva, si disponéis de iPhone o iTouch no tenéis excusa para dejar de jugarlo, es gratis, bonito y engancha, ¿Qué más se puede pedir?

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En el pasado E3 Nintendo tuvo la genial idea de presentar su consola de nueva generación. Bajo el recurrente nombre de Wii U, se lanzó a la piscina y mediante una presentación mas bien confusa donde el mando/tablet de dicha consola era el protagonista, dejó a los presentes con cara de WTF. Poco a poco se ha ido lanzando información relevante acerca de las supuestas especificaciones, aunque todo sigue estando un poco en el aire. Lo único cierto es que saldrá durante 2012 y que será superior técnicamente a las otras dos consolas de la competencia. A continuación, mi humilde y personal punto de vista sobre este nuevo movimiento de Nintendo.

Una mierda, eso es lo que me parece. Aún recuerdo la ilusión con la que acudí el día de salida a buscar mi Wii reservada, con un interés que hacía tiempo no ponía en ninguna máquina. Fue llegar a mi casa, ponerme con el Twilight Princess y esbozar una sonrisa de felicidad. El cambio que había dado Nintendo en cuanto a jugabilidad no era perfecto del todo, pero si fue suficiente, por lo menos en mi caso, para volver a dar una oportunidad a los videojuegos, así de simple. Con el tiempo fuí disfrutando de algunas joyitas, la mayoría de la propia Ninty, como era de esperar, pero el globo se fue desinflando, y aunque es una consola ideal para jugar con varias personas, a día de hoy ya carece de fuerza para enfrentarse a los cada vez más hormonados juegos de la competencia.

Nintendo lo sabe, y tras varios rumores pre-E3 se mostró lo que viene siendo la sucesora de Wii. Con un pedazo de tablet bajo el brazo que se usará como mando y que tiene algunas características interesantes, para que negarlo, pero que a mí personalmente no me dice nada. La revolución llegó con Wii y NDS, pero ya está, este no me parece el próximo paso sinceramente, así como tampoco me lo parecen ni Kinect ni Move. Se ha explotado una idea que ha estado bien durante esta generación, pero ya está. Pero hablemos de lo que puede aportar Wii U. La conexión que se establecerá entre la consola y el propio mando promete unas cuantas cosas curiosas. La posibilidad de tener la pantalla como apoyo para mapas, tomar anotaciones, buscar cosas en el entorno y muchas cosas más está bastante bien, y ni que decir tiene el poder usarlo directamente para jugar lo que tenemos en el televisor directamente en el mando, no está mal, ¿Pero realmente os parece una revolución comparándola con la anterior Wii?.

A nivel técnico a mí ya no me la pegan lo siento. Por un tiempo está bastante bien olvidarse de los gráficos y dejarse llevar por la diversión y la jugabilidad de algunas de las joyitas que fueron saliendo, pero no seamos hipócritas, un buen apartado gráfico nos la pone bastante dura y hace que un juego nos entre por los ojos, aunque luego sea un truño. ¿Acaso no habéis babeado con esas imágenes del nuevo Zelda?, ¿Y con qué motivo? Con los gráficos, es lo único que varía de los anteriores, ¿me equivoco?. Las nuevas consolas de Sony y Microsoft aterrizarán sobre 2014, como muy tarde 2015, por lo menos en el caso de Sony, que recordemos ha tenido mas bien pérdidas con PS3, no esperéis que hasta que hagan algo de pasta den el paso. Bravo por Microsoft, que tras ser la primera que se aventuró en esta generación de sobremesa, ha sabido aguantar el tipo. Por lo tanto, si tenemos en cuenta que Wii U aparecerá en 2012, y que a los 3 años como mucho la competencia tiene pensado sacar al mercado nuevas consolas, según rumorean, con cualidades técnicas de la leche, y conociéndolas de antemano, seguramente copiando parte de la idea de Nintendo, ¿qué futuro le espera a Wii U?

Aparecerán nuevos Zeldas, Marios y Metroids, seguramente geniales, pero lo siento, conmigo que no cuenten para su próximo experimento, por lo menos mientras no acierte una de 15. Me parece un paso precipitado de Nintendo, aunque totalmente comprensible si tenemos en cuenta el estado de coma de Wii. Pero seamos serios, Wii U será la puta ama durante 2 o 3 años en los que estará por encima de la competencia, y muy mal tienen que hacerlo Sony y Microsoft para que se le escape de las manos la jugada. De momento N3DS tampoco arranca, mas que nada por no tener aún un catálogo demasiado jugoso, pero pensar que llegará al mismo nivel de éxito de su predecesora me parece una utopía. Nintendo, ¿has ganado tanto dinero para esto?.

No quiero seguir jugando a ser analista, pero es mi predicción sobre el nuevo paso de la compañía. No quiero volver a tener una consola que tenga unos buenos años iniciales y luego sea olvidada por las third parties mientras sólo recibe remakes y revisiones de viejas glorias, esta vez no. Si no tienen otro as guardado en la manga, algo propio de Nintendo, puedo decir que esta vez no van a contar con mis leuros. Bye bye Nintendo.

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Antes Interplay molaba. Acogía desarrolladoras interesantes y la verdad es que muchos juegos tenían un toque personal bastante interesante. A la cabeza me vienen títulos como los dos primeros Fallout de Black Isle, el entrañable Boogerman, Lost Vikings, Baldur´s Gate o Clayfighter entre otros. Gozó de buena salud durante la etapa de los 16 bit, y un ejemplo de ello es el inolvidable Rock´n Roll Racing, desarrollado por Blizzard en 1993 para Mega Drive y Super Nintendo. Era un atípico juego de carreras con vista isométrica del que guardo buenos recuerdos. Recorrer la galaxia a ritmo de rock mientras machacábamos a nuestros alienígenas enemigos era divertido, muy divertido.

Después de seleccionar a uno de los seis personajes iniciales (con alguna que otra sorpresa si tirábamos de password) y nuestro carro de combate, era hora de ponernos manos a la obra para hacernos los dueños del universo. A grandes rasgos, la mejor manera de describir el cartucho es como “un Super off road hormonado con armas y extraterrestres en el espacio“. El sistema de control era totalmente heredado de clásicos como Racing Destruction Set o Super Sprint, un sistema que de inicio podía hacerce complicado hasta que no echábamos unas cuantas partidas. Lo cierto es que gran parte del éxito del juego radicaba en su contrastada jugabilidad, con una curva de aprendizaje interesante que cada vez nos iría ir ganando más pericia al volante de nuestro coche.

La premisa era básica, ir ganando carreras protagonizadas por cuatro contendientes, donde después de cuatro vueltas, nos repartiríamos dinero y puntos en función de nuestra posición. Con el dinero podíamos ir mejorando las partes de nuestro coche, así como adquirir nuevas unidades de misiles, minas o turbo. Al mismo tiempo, si lo creíamos necesario, teníamos la oportunidad de comprar otro vehículo. A medida que avanzábamos y visitábamos nuevos planetas, distintos coches con distintas características se iban sumando al plantel, y se hacía imprescindible mejorar los ya conseguidos o comprar estos últimos para ser competitivos. Con los puntos obtenidos en cada carrera conseguíamos acceder a nuevos lugares de la glaxia para seguir compitiendo, por lo que si aún no reuníamos los necesarios, nos veíamos obligados a repetir los circuitos del planeta en el que estábamos hasta conseguir la suma de puntos necesaria.

Otra de las características a nivel jugable de Rock´n Roll Racing era el uso de armas. Nuestro coche dispondría de una barra de energía que iba disminuyendo a medida que recibíamos impactos enemigos. Nuestro arsenal se iba reponiendo cada vez que dábamos una vuelta, por lo que había que hacer buen uso de nuestros recursos para quitarnos de encima a los cabrones del espacio exterior. Cuando dicha barra llegaba a cero nuestro coche explotaba en mil pedazos, con la consecuente pérdida de tiempo. En plena carrera podíamos reestablecer nuestra barra recogiendo botiquines, al mismo tiempo que otros ítems para aumentar el dinero. Mejorar por tanto nuestro arsenal era fundamental para sobrevivir a los niveles más altos del juego.

Otra seña de identidad del cartucho era su música. Como indica el propio nombre del juego, aderezada por memorables temas de rock de bandas consagradas. En el repertorio teníamos clasicazos como Paranoid de Black Sabbath, Higway Star de Deep Purple o Born to be Wild de Steppenwolf, entre otros artistas como Henry Mancini, Golden Earring o George Thorogood. Escuchar esta música adaptada para la ocasión era todo un acierto, aparte de venirle como anillo al dedo al juego. Ir dando saltos espectaculares mientras destruíamos enemigos a ritmo de Black Sabbath no era muy común por aquellos tiempos en un videojuego, así que en ese sentido, Rock´n Roll Racing fue todo un acierto, acercándonos a los prepubers de la época piezas que desconocíamos. Puede que el total de temas se hiciera corto, pero ya de por si era todo un logro disponer de una banda sonora tan interesante.

Ténicamente era un juego muy acertado, con grandes sprites bien definidos y unos escenarios interesante que sabían transmitir la ambientación espacial y macarra del juego, aunque se iban haciendo un tanto repetitivos. Los diseños de los rivales, así como de los demás personajes del universo Rock´n Roll Racing como el mecánico, el encargado de transportarnos a nuevos planetas o el presentador eran la caña, con una estética futurista y heviata muy simpática que conseguía darle vidilla al cartucho. A nivel sonoro, aparte de lo ya comentado en el aspecto musical, cumplía simplemente a nivel de efectos, donde destacaba la voz del presentador de las carreras, con frases muy caracterísitcas que se nos irían quedando a medida que transcurrían las horas de vicio.

El juego de Blizzard se hacía ameno, divertido, exigente y competitivo, además a todo esto había que sumarle la posibilidad de jugar a dobles, lo cual alargaba la vida del título y lo colocaba entre los juegos de carreras más interesantes del catálogo de las dos consolas de 16 bits. Con el tiempo llegó a aparecer una versión para PSX, ya con gráficos tridimensionales y adaptada a los nuevos tiempos que resultó ser un fracaso y en el 2003, un remake acertado para Game Boy Advance vería la luz para recordar a las generaciones más nuevas las bondades de un juego que no debería pasar desapercibido, y que puede que sin darse cuenta, crease escuela en cierto modo. Lo dicho, un clásico entre los clásicos que no deberían dejar de probar los nostálgicos de aquella época, sobre todo si lleváis el rock en las venas.

]]> http://hatedpig.wordpress.com/2011/07/18/retroanalisis-rock%c2%b4n-roll-racing/feed/ 11 hatedpig rrracing rock-n-roll-racing1 rock-n-roll-racing-02 http://hatedpig.wordpress.com/2011/07/15/angry-birds-en-tu-examen-de-fisica/ http://hatedpig.wordpress.com/2011/07/15/angry-birds-en-tu-examen-de-fisica/#comments Fri, 15 Jul 2011 09:49:39 +0000 hatedpig http://hatedpig.wordpress.com/?p=2511 ]]> ¿Aburrido de los problemas de física con pelotas que caen de tejados, misiles, hombres balas y demás chorradas que se les ocurre a profesores que van de listillos? Todo eso se ha acabado, los parajicos de Angry Birds llegan para hacerte más amenos esos exámenes para los que has estudiado duramente. O no. Pero vamos, que en el fondo es mucho más gratificante encontrar el valor del ángulo para impactar al odiado cerdo, muchísimo más, a donde va a parar.

Visto en Microsiervos

Tras la apoteósica primera temporada de Game of Thrones y haberme papeado en tiempo récord lo existente hasta el momento de Misfits, un vacío se apoderó de mi alma. Era hora de buscar nuevas víctimas y Psychoville se interpuso en mi camino. Los primeros capítulos de esta serie te dejan con cara de tonto, hacía bastante tiempo que no me echaba a la boca algo tan surreal, bizarro y entretenido al mismo tiempo.

Aquellos que busquéis algo nuevo con lo que pasar el rato, alejado de superproducciones y con suficiente chispa como para manteneros enganchados tenéis que echar un ojo a esta serie de la BBC, cuya clasificación se me antoja realmente complicada. Mucho humor inglés, situaciones hilarantes, personajes carismáticos muy bien interpretados y un argumento con giros totalmente inesperados que rozan lo ridículo. La historia gira en torno a un grupo de freaks con ciertos problemas mentales que reciben una nota en la que un inquietante “Sé lo que hiciste” da lugar a un historia donde nada es lo que parece. Con numerosos guiños a otras series y películas, Psychoville me ha gustado sobre todo por lo diferente de su propuesta y el carisma de sus personajes, a algunos de los cuales odiarás irremediablemente mientras que con otros te reirás lo suyo. Destaca especialmente el actor Reece Shearsmith, que interpreta a varios personajes a la vez con bastante maestría, en especial uno de la segunda temporada que no voy a desvelar.

En este desquiciante elenco de protagonistas contaremos con un payaso sociópata al que corroe el odio por su archienemigo, a un anciano invidente que realiza una extraña colección, a un enano ex-actor porno con supuestos poderes mentales, a un joven y su madre aficionados a los asesinos en serie, una matrona desviada que se dedica a cuidar de un misterioso muñeco, entre otros secundarios de gran peso en la historia que compondrán el marco idóneo para una serie de estas características, en la que poco a poco irán cruzándose sus caminos por el denominador común de un oscuro pasado.

De momento la serie cuenta con dos temporadas y no existe confirmación actual de una tercera. A raíz de lo visto en la segunda cualquier ida de olla puede ser bien recibida para conseguir una continuidad, así que no me extrañaría que aprovechasen un elemento que aparece en la misma para echar a rodar una tercera temporada. En cualquier caso no es una serie recomendada a todos los públicos, ya que sólo aquellos atraídos por un cierto nivel de estupidez, bizarrismo demencial y situaciones propias de los Monty Phyton verán en Psychoville una de las propuestas más interesantes de los últimos años, fresca, original, asquerosilla y atípica.

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Hubo un tiempo en el que los bollycaos regalaban pegatinas con portadas de juegos de Mega Drive, Master System II y Game Gear, junto con letras del abecedario acompañadas por el chulo de Sonic en alguna pose molona. Estas pegatinas, aparte de servir para formar las palabras pedo, caca, puta y pis y pegarlas en los libros de EGB de la época, también tenían la función de hypear a los jóvenes. Si hamijos, ¿a qué no sabíais que antes se hypeaba de esta manera y no con videos de 20 minutos?. A veces incluso, la grasa del bollycao se filtraba y las pegatinas se quedaban hechas un asco. Aquello era infancia y no la de nuestros hermanos, primos, hijos o mascotas. Habían portadas orgásmicas, como la del Gynoug, Alisia Dragoon o la del shmup del que voy a hablar: Zero Wing.

Sin internet y con la pasta justa para comprar la Mega SEGA o la Super Juegos, nos bastaba una simple portada para hacernos babear, y así fue como Zerowing me enamoró. Aquella mítica nave amarilla con un amenazante fondo donde se intuían las fauces de un boss era capaz de crear erecciones en mi y en mis compis poseedores de la consola de SEGA. Sólo en algunos, porque otros tenían la Super Nintendo y ya se sabe que por aquella época si tenías una Super eras mariquita, y punto. Pero bueno, antes de que se me vaya el retroanálisis de las manos vamos allá de una vez por todas con las bondades de este mítico juego de Toaplan.

El título vió la luz en recreativas en 1989 y en dos sistemas domésticos: Mega Drive y PC-Engine en el 91 y 92 respectivamente. Me centraré en la versión de la Mega, que es la que jugué en su momento. Todos los que amáis el género sabéis de sobra la trayectoria de Toaplan en esto de los videojuegos, pero para refrescaros el poco cerebro que os queda os recuerdo otros míticos shmups como Batsugun, Hellfire, Truxton o Twin Cobra, si aún así no tenéis ni zorra de lo que hablo podéis coger vuestras putrefactas consolas de nueva generación, tirarlas por la ventana y pegaros un tiro. Normalmente sólo me voy a la cama con shmups de scroll vertical, pero existen algunas excepciones horizontales que de vez en cuando cuelo entre mis sábanas. Total, si tiene alas y dispara me vale. Zerowing es uno de esos casos, con un scroll horizontal y unas cuantas ideas prestadas de otros grandes como R-Type que lejos de ser de lo mejorcito del género supo ganarse una fiel legión de fans, entre otras cosas por uno de los memes más conocidos en el mundo de los videojuegos: “All your base are belong to us“. ¿Os suena ahora?, ¿Tampoco? Pues me la suda porque no voy a hablar de dicha anécdota. Google es vuestro amigo.

A pesar de no contar con un apartado gráfico a la altura de algunos representantes de la consola, y ni de lejos con las grandes joyitas de Super Nintendo, el cartucho de Toaplan cumple. El trabajo en los escenarios es un tanto cutre y quizás lo más destacable sea el diseño de algunos de los bosses finales, el resto la verdad es que simplemente se limita a cuplir con la labor de mata-mata de toda la vida. Eso si, el diseño de la Zig a día de hoy todavía me la sigue poniendo dura, y aunque tenga ciertas similitudes con la R-9 a mí me sigue pareciendo una cucada. Después de una espectacular intro traducida al inglés por un mono politoxicómano ponemos en marcha la maquinaria para comenzar el primero de ocho niveles que tenemos por delante. Lo cierto es que la extensión de estos está bien comparada con la de otros juegos. Tendremos los habituales malotes de medio nivel y las cochinas supremas de final de nivel que como ya comenté tienen un diseño aceptable. El boss del primer nivel sigue siendo mítico. Distintos escenarios con variedad de enemigos acorde con la ambientación de cada uno de ellos, con rutinas previsibles como casi todas las de la época pero cabroncetes como siempre.

A nivel jugable, en Zerowing podíamos alternar entre tres disparos distintos, rojo, azul y verde, el cual os recomiendo. Cada uno de ellos es mejorable a través de los ítems con el respectivo color. El primero nos aporta dos navecillas compañeras que recuerdan al Hellfire, y que aparte de disparar también podemos chocar contra los enemigos. A partir de aquí podemos mejorar el disparo dos veces mas, aunque existe una última mejora que puede conseguirse a través de un objeto especial. Otros ítems servían para aumentar la velocidad de la nave y otro hacía las veces de bomba que podíamos proyectar en línea recta al estilo R-Type. Las similitudes con el título de Irem como podéis ver eran varias. Además el diseño de escenarios también bebía fuértemente de aquella saga, con pasillos y zonas que debíamos sortear aparte de dedicarnos a destruir a todo ser viviente. Otra característica jugable era la posibilidad de absorber a determinados enemigos para luego dispararlos, algo que no era del todo nuevo y que más tarde podríamos ver también en juegos posteriores. La dificultad no era tan alta como en monstruosidades del calibre de Hellfire, pero aún así era un reto en el nivel difícil a pesar de que las rutinas de los enemigos eran bastante simplonas.

Al contrario de su apartado gráfico, Zerowing si contaba con una música realmente buena, los temas de los tres primeros niveles y de la intro eran realmente interesantes, mostrando en ocasiones una faceta rokerilla a la que no estábamos aún acostumbrados en sistemas de 16 bits. Bravo por este aspecto. Aún así, siempre acabo quemando con la música de los shmups, ya que de tanto repetir algunas fases termino cogiendo una tirria tremenda a según que canciones. Por eso hoy opté por ponerme Let me be your armor de Assemblage 23 en modo repeat mientras rejugaba este clásico en el emulador de la Wii, el mejor uso que se le puede dar de momento a la consola de Nintendo hasta que salga el nuevo Zelda. “Zero Wing + Assemblage 23 + Drojas” es una grata experiencia, true story.

¿Qué mas os cuento?, uhm, para acabar el tostón sólo decir que queda muy molón saber de que juego salió aquel famoso meme, pero seguro que aún no tenéis pelos en el pecho y no os lo habéis acabado en difícil sin gastar continues porque soys unos cutres y unos modernos. Y yo si. Lo dicho, no es un shmup destacable, existen otras propuestas superiores en la plataforma, y si nos vamos a la competencia en Super Noentiendo ya ni te cuento. Aún así tiene ese halo de juego interesante, más que nada como os he dicho por la aparición en los cromos de bollycao. En el siguiente retroamor os cagaréis por patas porque os hablaré de otro “Portada-molona”: Gynoug.

P.D. Dedico este retroanal al gran Adol3. A lo mejor sin él no me hubiese animado a retomar el blog. Toda la suerte del mundo y descuida, que hurgaré algo en ese mercadillo.

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